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李逵的博客

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声乐课堂【转】  

2016-04-25 05:40:03|  分类: 乐器乐理 |  标签: |举报 |字号 订阅

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歌唱的基本要素 

人声歌唱的基本要素包括呼吸、发声、共鸣和语言四个部分。呼吸是动力,气息冲击声带发出声音,这声音经过共鸣腔体把它加以扩大和美化,而形成动听的歌声。在歌唱活动中,呼吸、发声、共鸣这三者是同时出现的有机结合的统一体。

这三者的关系是这样的:如果没有呼吸,没有共鸣,嗓子的运用也不存在。只有用上歌唱所需要的呼吸,歌唱所需要的共鸣,嗓子才能唱出歌唱所需要的声音。歌唱者在考虑问题的时候不要只考虑一个问题,如只想练呼吸,其他问题不想,如果没有其他因素的辅助,你很难断定你唱得是对还是不对,对到什么程度,为什么是对的,或者错是错到什么程度,为什么是错的,怎么才是最合适的,要从最后的音响来判断。

简单地说,绝不会出现这种现象!你用的共鸣是好的,嗓子也对,就是呼吸不好。这是不可能的。要是对就全对,有一个部分不对,其他两个也好不了,这三个是统一体。歌唱乐器还有一个区别于其他乐器所独有的特点就是语言。自然界各种动物、昆虫都能发出声音各异的鸣叫,鸟儿能有动听的叫声。各种乐器能够奏出美妙的音乐,但是,只有歌唱乐器能够发出带有语言的音乐来,而其他任何乐器都不能发出带有语言的音乐。

因此,语言是人类歌唱所独有的特点,它使歌唱艺术在传情达意上独具特色。歌唱的四个基本要素有着内在的密切联系,在歌唱时,四者是一个整体,不可分割。语言跟前三者也是一体,由于语言的改变,其他三者也随之有所改变。 歌唱的四个基本因素是不可分割的整体,沈湘先生在“沈湘声乐教学艺术”中有非常详细、清楚、易懂的阐述。

美声唱法的渊源

美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的,从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。当时的西方音乐更多是建立在多声部教堂音乐、复调音乐基础上,唱法本身脱离不了宗教音乐的影响。南女唱法一样,只是声部不一样,高低不一样。最初的歌剧以阉人代替女声来唱,由女中音代替南青年来唱。

随着歌剧剧情的发展,一些情感激烈的戏剧性唱段,阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要,于是歌唱家们努力探索、钻研、改进自己的唱法,以适应剧情的需要,这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。

所以说,不同时代的歌唱形式、风格、情绪、情感不同,歌唱的方法也不同。发展到现在,已不是文艺复兴时的唱法,也不是1617世纪的唱法,我们现在唱1718世纪的歌曲,还是用现在的唱法,只是在风格上多注意他们的特点,我们不需要再去训练1617世纪的唱法。

我们今天的唱法,包括欧洲的歌剧、音乐会、清唱剧等舞台上常用的唱法,我们统称之为美声唱法。美声来自意大利文Belcanto,意思是美好的歌唱。Belcanto在西方音乐界的定义和我们的理解有所不同,西方对Belcanto的理解指的是由作者家罗西尼(Rossini)、多尼采蒂(Donizetti)、贝利尼(Bellini)等人那个时期的作品和歌唱艺术,它包括了那个时期歌唱的风格、技巧、内容、形式以及歌唱方法。

美声唱法实际上不是只讲声音,在它发展的历史进程中,有过各种不同的现象:有一个时期只讲声音,既不注重歌词也没有“味儿”;有一个时期以炫耀技巧为主,脱离内容;有一个时期也曾改变过要以内容为主。我们接受美声的传统是主张声情并茂地歌唱,不主张为声音而声音的歌唱,只要求“情”而没有适应歌剧音乐会所需要的声音,观众也是不喜欢的。现在介绍的是国外包括欧洲、美洲、俄罗斯、东欧等音乐厅、歌剧舞台的唱法,不是民间唱法,更不是舞厅、酒吧间那种哼哼唧唧的唱法,是提高了的艺术性唱法。

歌唱要领口诀

一、 歌唱姿势要领口诀

头正、颈直、看前方,“脊梁插着擀面杖”。

自然挺胸双肩垂,张嘴下巴“懒洋洋”。

双腿站立前后分,重心放在前脚上。

手势自然形体美,“松而不懈”“紧不僵”。

收腹提臀两胯开,积极、松弛全身唱。

二、 歌唱呼吸要领口诀

鼓腹吸气沉“丹田”,贴着咽壁“吸着唱”。

胸口松开向下“叹”,气沉胸底腰扩张。

“又吸又呼”声流动,气向下“铺”音向上。

腰一缓劲儿就换气,被动换气不用想。

“关闭”高音气倒灌,腔体松开“一米长”。

“气行于背”“吹瓶口”,“吹”响头腔点明亮。

后背控制上、下“吸”,全身舒展气流畅。

呼吸稳定最省力,轻松愉快把歌唱。

三、 歌唱发音要领口诀

胸口发音不能憋,“声音落底”气通畅。

“声门适度”“三不准”①,腔体上下要“虚张”。

张嘴“内视”往下“看”,喉结下沉底宽敞。

“忘掉喉头”没感觉,“听着、看着”咽腔响。

胸口往下找气柱,音色纯净又明亮。

“高音气大嗓眼儿小”,声带不躲要敢唱。

气混声儿来声混气,贴边儿向后进咽腔。

声带上“不准挂音,不准用劲儿,不准通气儿”是感觉上的三不准。

四、 歌唱共鸣要领口诀

共鸣位置在咽壁,共鸣音响灌咽腔。

共鸣反射找“焦点”,前“哈”后“哼”气通畅②。

音域升高变母音,腔体“打开”要舒张。

“关闭”拢住共鸣点,声音胀满鼻咽腔。

抬起软腭“打哈欠”,“打开喉咙”气通畅。

“脑后摘筋” “拿咽管” “气行于背” “翻”着唱。

“高位置” 挂“深呼吸”,上,下,前,后都不忘。“通” “实” “圆” “亮” “纯” “松” “活” 声音“柔”美如月光

共鸣“亮暗”要适度, “平衡,谐调”最理想。

扩展音域靠技巧,通一声区音嘹亮。

前“哈”后“哼”的意思为:声音向前反射时,有哈气的感觉,声音向后哼唱时,有往后的感觉,所以是气向前声儿向后的感觉。

五、 歌唱技巧要领口诀

起音找气儿不找劲,“声音落在胸口上”。

“连音”串在气息中,旋律优美又流畅。

断音想着“拍皮球”, 颤音由紧往松唱。

滑音保持高位置,跳进准备“翻”着唱。

要靠灵巧装饰音,共鸣点上找音响.

高音激起“精,气,神”,腔体打开头腔响。

由弱渐强腔灌气儿,小点儿膨胀声儿振荡。

由强渐弱真换假,由实变虚“向远方”。

从亮变暗实变空;由暗变亮点膨胀。

花腔声音最华丽,“以静制动”用“心”唱。

“脑后摘音”高位置,断,颤,走句在气上。

起高音区不害怕,打开喉底挺胸膛。

音域越高“点儿”越小, “挂,抬,哼,拢”心里想。

“气行于背” “吹” “小点儿”,脱离身体唱花腔。

六、歌唱语言要领口诀

“贴着咽壁吸着念”,咬字吐词在咽腔。

“挂住字头”往后送,胸口换字不能忘。

被动念字最轻松,语音清晰声音棒。

“挂住前面往后兜”,高音“说”、唱在头腔。

言语生动情感深,音色、力度巧变样。

传情达意需准确,语气“喷口”要恰当。

“字正腔圆”真功夫,表现内容有分量。

“声情并茂”才感人,歌唱艺术魅力强。

声乐教学中的几个误区

随着我国高考艺术教育事业的日益发展,许多声音条件好的学生都希望通过努力学习声乐考入音乐学院或普通大学的音乐系。但是声乐是一门特殊的艺术,它是将人的发声器官作为乐器演奏,来传情达意。而在实际教学当中,一些专业术语特别抽象,老师经常举一些例子 (如闻花香,打气筒等)帮助学生理解,尽管这样,好多学生还是“误入歧途”。下面我就十多年的教学经验,谈谈声乐教学中的几个误区,以供声乐考生参考。

打开喉咙、张大嘴

有的学生认为张大嘴就打开喉咙了,这是错误的理解。实际上有些学生嘴张得很大,而后面小舌并未抬起,舌根下压,咽腔缩小,声音僵硬。打开喉咙实际上是打开咽腔,使得U通道扩张,声音通畅无阻,进而获得良好的共鸣。那么,如何正确地打开喉咙呢?我认为,打哈欠是体会打开喉咙的最简单的途径,但要防止打哈欠打得太过头,那样会使声音太靠后。当喉咙完全打开时,会感到喉咙似乎不复存在了,能明显感觉得到的只有气息的支持和响亮的共鸣。

气息深与浅

在实际教学当中,声乐老师都强调气息吸下去,因为只有吸下去,声音才能唱上来。但有的学生由于气息吸得太深,导致声音僵硬。而有的学生气息吸得太浅,简单的开口音练习,只能上行,下行时气息就不够了(当然也有膈肌的控制问题),所以我觉得掌握气息的深与浅是非常重要的。

气息的深与浅是对立统一的,既不可太深,又不能过浅。太深则气息僵硬,过浅则声音苍白。这就要求练习当中掌握一个“度”的问题。处理作品时,深沉思念的乐句气息要深,欢快亲切的乐句气息要浅。

声音位置的前后

在学习声乐的过程中,声音的“靠前和靠后”一直困扰着学生,认为声音靠前的学生总是强调声音的集中和明亮,往往唱出来的是“白声”;而认为声音靠后的学生总是强调声音的浑厚和通畅,导致声音抠在里面,闷着出不来。

老师要求学生位置靠前,实际上是要求学生将声音送出去,正如绉文琴老师所说,眼睛能看多远,声音就能传多远,老师要求学生位置靠后,实际上是让学生贴住后咽壁唱 音时,向后、向下用劲,将 甩出去,就像射箭一样,声音似箭,位置如弓。我国京剧花脸的 “堂音”和“脑后摘筋”唱法就是这个道理。

口腔的纵开和横开

口腔的纵开和横开指唇的动作。纵开演唱强调声音的浑厚感,特别是进入换声区时,能帮助声带缩短变薄,让声音变圆、变暗,获得高音。横开强调声音的色彩性,横开应是微笑的口型,而不是咧嘴角。这种微笑的口型应和欣喜的心情一样。横开的好处是,它容易使舌颚肌松弛,避免舌骨前移下压,容易使音色明亮灵活。

不管纵开,还是横开,前提是内开。但在实际歌唱中,没有纯粹的纵开,也没有纯粹的横开,二者皆有。一般情况下,在中声区横开的因素大于纵开,高声区纵开的因素大于横开。

总之,理解了以上几个概念的真正含意及辩证关系后就可走出声乐学习的“误区”,通过科学的发声方法和勤奋努力的学习,获得优秀的艺考成绩。

《【声乐课堂】转:歌唱的基本要素》

《【基础课】转:歌唱要领口诀》

《【声乐课堂】转:声乐教学中的几个误区》

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